Gustave Courbet (1819-1877) REALISMO

Gustave Courbet, pintor fiel a sus ideas sociales en el arte y en la vida. Utiliza una muy buena técnica en la pintura y denuncia las desigualdades sociales.

A U T O R R E T R A T O

Gustave Courbet (10-06-1819) Ornans (Francia)-(31-12-1877)Verey /Realismo.

Gustave Courbet era hijo de un rico granjero, se radicó en París en 1840 para estudiar la carrera de leyes; sin embargo, se dedicó a pintar copiando las obras maestras del Museo del Louvre. Su formación pictórica es clásica y se interesa por Caravaggio, Velázquez, Rembrand y Van Dyck.
En el año 1850 expuso Los Picapedreros, representación de unos obreros arreglando una carretera.
Y escandalizó a los académicos con su obra de gran formato Entierro en Ornans (1850, Museo d'Orsay, París), en la que un grupo de campesinos rodean una tumba.
Publicó un manifiesto en el que exponía su credo social y realista sobre el arte y la vida.
Su estilo se caracteriza por una gran técnica, composiciones sencillas y gruesos trazos de pintura muy empastada.
Luchó contra la clasificación en géneros y trató simplemente de mostrar la realidad.
Considera que su deber es plasmar las desigualdades sociales en sus lienzos.
Fue nombrado por la Comuna de París en 1871 director de los museos de la ciudad, logrando salvar las colecciones del Louvre, del incendio de las Tullerías y del saqueo de las masas.
Tras la derrota de la Comuna, fue acusado de permitir el derribo de la columna triunfal de Napoleón ubicada en la Plaza Vendôme; por ello fue encarcelado y condenado a pagar la reparación. En 1873 le obligaron a expatriarse y se trasladó a Suiza, donde continuó pintando hasta el día de su fallecimiento.

Gustave Courbet (10-06-1819) Ornans (Francia)-(31-12-1877)Verey /Realismo.

Hot Jazz, de Gloria Coker /Fuente:blog MUSICAMERA

Sinaida Serebriakova. Fuente: Museos Rusos."En el desayuno" (1914)

S. Serebriakova. “En el desayuno”. 1914


Sinaída Serebriakova se crió en la distinguida familia de artistas Benois-Lanceray.

En esta obra nos muestra a sus hijos a la hora del desayuno. Ellos son Tatiana, la pequeña de grandes ojos y mejillas sonrosadas; Alexánder, mirando al espectador con sus ojos oscuros y al fondo Evgeni, de pelo rubio concentrado en su desayuno. Falta su hija Catalina que por entonces era muy pequeña para estar sentada a la mesa. Los hijos siguieron la tradición familiar. Eugenio fue arquitecto y el resto pintores.

El cuadro nos muestras unos años felices para la artista que acabaron rápida e inesperadamente. En 1924 Serebriakova emigró a París y no volvería a Rusia. Lograría más tarde llevar a París a Alexánder y Catalina, pero los otros dos se quedaron en Rusia.

Esta obra forma parte de la colección de la Galería Tetriakov de Moscú.

Vasili Tropinin (Romanticismo)/ Fuente: Museos Rusos

V. Tropinin. “Guitarrista”. 1823


En la primera mitad del s. XIX se popularizó la guitarra en las casas moscovitas en donde en pequeñas reuniones se cantaban romanzas populares con este instrumento.

Vasili Tropinin retrata al guitarrista, un tal V. I. Morkov, en bata, de manera intima y no sin un cierto sentimentalismo típico del autor.

Esta obra forma parte de la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

1.-ROSAMAR CORCUERA "Homenaje a la mujer saharaui"2.-Mural reivindicativo realizado en TIFARITI 3.-López Aparicio "Aislamiento" Fuente:blog ENSEÑ-ARTE

Mural reivindicativo realizado en Tifariti y que formará parte de la performance que realizará Eduardo Romaguera en Estrasburgo

Detalle del Nacimiento, fachada principal de la Sagrada Família de Antoni Gaudí(Barna.)

FELICES FIESTAS DE NAVIDAD, PARA TODOS VOSOTROS/AS.

QUE DAIS VIDA A MI BLOG.

Eugène Delacroix (Romanticismo) Mujeres de Argel (1834) Museo del Louvre, París (Francia)

Durante su breve estancia en Argelia (25-28 de junio 1832) Delacroix visitó un harén.
Fascinado por el ambiente, por la luz y los colores, tomó apuntes y trazó rápidos esbozos que luego elaboró en la tranquilidad de su estudio.
Su gran capacidad de dar un sentido a las cosas, a las formas y a las posturas, además, de la riqueza de la composición, de los colores y de los detalles, logra que una imagen aparentemente rica y serena adquiera un profundo significado de melancolía y tristeza propios de una prisión dorada.
Una atmósfera que invade toda la obra, patente sobre todo en la expresión de los rostros, en el abandono de los cuerpos, en la propia cualidad de la pintura.
La estructura compositiva subraya el abandono de la primera figura situada a la izquierda.
Las dos mujeres situadas en el centro parecen conversar sumisamente y están dispuestas, según la costumbre de Delacroix, en una especie de "contrapunto", es decir de reciprocidad de formas, que la postura y el volumen hacen más sugerentes.
La mujer de color situada a la derecha, que se vuelve para saludar con un gesto breve de la mano a sus compañeras, da la sensación de haber atravesado de puntillas toda la escena para desaparecer luego más allá de los límites del cuadro.
Este cuadro es a un tiempo, orientalista y romántico.
Destaca en el cuadro la forma en que la luz está representada, Delacroix quedó entusiasmado por la luz del norte de África y pretendió plasmarla en sus obras. Las carnaciones están tratadas con tonos bronceados, lo que refuerza el exotismo de la pintura.
En cuanto a la técnica, usó pequeño toques de color, independientes, lo cual explica que sea considerado precedente del impresionismo. Destaca sobre todo el tratamiento cromático que le dio a las ropas. De hecho, este cuadro sirvió de fuente de inspiración a autores impresionistas posteriores, sobre todo por su intenso colorido, logrado al aclarar el tono general mediante colores puros. Fuente: Entender la pintura, Edic. Orbis, 1989

Eugène Delacroix. Cristo en el lago de Genezareth. Romanticismo

Tenía por un lado, el interés y el estudio del mar que le fascinaba; por otro, la voluntad de expresar, a través de la representación del desafío del hombre al mar, el eterno conflicto de la materia contra el espíritu.
Esta versión está estructurada sobre la diagonal que discurre desde la parte superior izquierda hacia la derecha, como la mayor parte de las otras versiones, y nos representa la barca levantada por las olas, con la descompuesta inquietud de los apóstoles que contrasta con el sueño tranquilo de Jesús. Aun dentro de la aparente confusión de los movimientos podemos encontrar el "orden" que guía la estructura de la composición en una especie de simetría de las posturas de los personajes con respecto a la diagonal.
Detrá del hombre que se aferra a la proa de la barca, Delacroix dispone a los dos remeros preocupados por la boga; luego la escena se abre en las dos figuras que sobresalen de los bordes de la barca, a la izquierda y a la derecha; el ritmo prosigue en los brazos abiertos de la pareja de apóstoles que preceden a las últimas dos figuras, anteriores y posteriores a Cristo.
La escena está ocupada casi por completo por los tonos verde-azulado de las olas espumosas que levanta el viento, dejando una fina franja para el cielo apenas aclarado en el horizonte, mientras la masa piramidal de las costas lejanas, en correspondencia con la popa de la barca, subraya la figura de Jesús; sobre los tonos del mar resaltan los tonos oscuros y tierra de la madera y de los cuerpos, los rojos de los mantos, el tierra tostada de las dos figuras que enmarcan la de Cristo, único punto de luz, envuelto en el azul-celeste del manto.
Se trata de una gran pintura, pero sobre todo de un gran himno a la fe que triunfa por encima de las pasiones humanas y de la angustia de la muerte. Fuente: Entender la Pintura. Edic. Orbis 1989/Imagen:Wikipedia.

La barca de Dante -Eugène Delacroix (1798-1863) Romanticismo

La barca de Dante y las Matanzas de Quíos son los dos cuadros presentados ambos en los salones de 1822 y 1824 respectivamente con los que Delacroix entró clamorosamente en la escena de la vida artística parisina.
Con Delacroix se impone una nueva manera de ver y de representar la pintura que rompe con la tradición clásica de David y de su heredero Ingres. En resumen, se rompe con los convencionalismos de la Academia. Delacroix convulsiona todo hábito visual con su composición dinámica, con sus rasgos esbozados, con sus colores, que se encienden en la pincelada.
La barca de Dante representa la travesía de Dante y Virgilio en la barca de Flegias a través de la laguna infernal hacia la ciudad de Dite (Dante, Infierno, canto VIII). El "motivo" de la barca en medio de la tempestad simboliza el drama del hombre preso de las pasiones y enfrentado a la amenaza de la muerte, tema que Delacroix repetirá muchas veces. Aquí el drama está representado por el contraste entre las dos figuras erguidas, envueltas en los mantos (de colores complementarios, sobre el verde y el rojo), y el dramético torbellino de los cuerpos desnudos que se arrojan sobre la barca. Fuente: Entender la pintura. Ed. Orbis 1989

Eugéne Delacroix "La matanza de Quíos" Texto relacionado con Lord Byron, poeta-literato y Delacroix" extraido de "comeniusnetoftolerance.blogspot.com"

Eugène Delacroix, "La matanza de Quíos"


Lord Byron fue uno de los intelectuales ingleses que lucharon por la causa de la independencia griega. ¿Qué pudo empujar a un poeta romántico como Byron a sumarse a esta empresa en la que perdió su vida a causa de unas fiebres reumáticas? Probablemente fue por su espíritu rebelde, sus ideas liberales y el deseo de huir de los convencionalismos y las críticas que recibía de la sociedad inglesa debido a sus constantes escándalos. El detonante definitivo entre los que recaudaban fondos para apoyar a los griegos fue la matanza de Quíos que conmovió a la opinión pública internacional, en parte, debido al espectacular lienzo en el que Eugène Delacroix representa a un grupo de griegos masacrados por los turcos con espeluznante violencia, de la que no se libran mujeres ni niños esclavizados sin piedad.
En 1823 Byron partió hacia Cefalonia y luego a Messolongion, convencido de que la acción era preferible a la literatura: “¿Quién escribiría con algo mejor que hacer?” solía decir.
La campaña de la causa helena le decepcionó pues las divisiones internas hacían imposible la unión en contra de los turcos. Aunque su papel en la guerra fue básicamente propagandístico, estratégico y financiero, demostró un gran talento militar y se ganó el respeto de sus hombres.
En aquellos años escribió uno de sus mejores poemas, el dedicado a Grecia. En él presiente la muerte y empieza a estar seguro de que no volverá, como así fue a causa del clima y las malas condiciones que le hicieron contraer unas fiebres reumáticas.
Su cuerpo fue embalsamado y trasladado a Inglaterra, pero se negaron a enterrarle en la abadía de Westminster donde están los grandes poetas porque la nobleza no le perdonó sus rarezas y excentricidades. Por expreso deseo, su corazón fue enterrado en Messolongion. (de comeniusnetoftolerance.blogspot.com)

Miquel Blay Fábregas (1866-1936)- Sensitiva y Los primeros fríos- Fuente:Wikipedia.

Miquel Blay Fábregas (Olot, Gerona, Cataluña, 1866 — Madrid, 1936) fue un escultor español.

Hizo su aprendizaje en la Escuela de Dibujo y Pintura de Olot, dirigida por Josep Berga i Boix y Joaquín Vayreda. Más tarde en Italia y Francia recibe una sólida formación artística, y en París acude al taller del escultor Henri Chapu.

Recibe en 1892 la primera medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid por la escultura Los primeros fríos, obra que con su lenguaje modernista influyó en toda una generación de escultores catalanes. Esta obra fue premiada también con un medalla de oro en Barcelona en 1894. En esa ciudad se encuentra la original, y en el Jardín Botánico Carlos Thays, en Buenos Aires, una copia adquirida en 1906 por Eduardo Schiaffino.

Detalle del balcón Casa Milà de Antoní Gaudí (Barna)- Forja

La forja de los balcones de la casa Milà fue elaborada inspirándose en los escultores Pablo Gargallo y Julio González.

ANTONI RIGALT I BLANCH (1861-1914) pintor, vidriero y dibujante modernista. Vidriera del techo del Palau de la Música Barcelona.

Antoni Rigalt i Blanch. Barcelona 1861 - 1914. Fue un pintor, vidriero y dibujante modernista catalán.

Como dibujante colaboró en diversas publicaciones de la época, como La Ilustración Española y Americana.

Aprovechando el gran auge que tuvo la aplicación de las vidrieras en la nueva corriente artística del modernismo, fundó junto con el arquitecto Jeroni Ferran Granell un taller de vitrales artísticos, dedicado tanto a la restauración de antiguos vitrales góticos, como a las nuevas realizaciones en colaboración con arquitectos, uno con el que más trabajó fue Lluís Domènech i Montaner con el que realizó la gran vidriera del techo del Palau de la Música Catalana de Barcelona y las de la Casa Lleó Morera.

Fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de Barcelona e ingresó como miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Barcelona el día 21 de mayo de 1884. En el año 1888 se le concedió la medalla de oro de la Exposición Internacional barcelonesa.

Lluís Bru i Salelles (Ondara 1868-Barcelona 1952) Mosaísta y escenógrafo modernista

Mosaico representando a Ramón Berenguer III, se hace llevar al Hospital para morir entre los pobres en el Hospital de Sant Pau de Barcelona.

Doménech i Montaner (arquitecto modernista catalán) Casa Navàs (Reus-Tarragona)

Construida entre 1902-1907 Es un edificio impresionante, por la imaginación que en ella puso el arquitecto.
Antes de la guerra civil española el ángulo de la casa tenía una estilizada torre que fue destruida en un bombardeo.
El interior es de una luminosidad y amplitud extraordinarios.
La escalera con sus mosaicos, mármoles, etc., fue realizada por Alfons Juyol según una maqueta de Eusebi Arnau.
Los muebles y la marquetería, son de Gaspar Homar y las baldosas de Hipolit Montseny.
De la decoración de mosaicos y vidrieras se ocupó Jeroni Granell sobre dibujos del propio Gaspar Homar.
El edificio continua siendo propiedad de los herederos de la família Navàs que tiene el proyecto de restaurar las partes destruidas.

1.-Hogar 2.-Vidriera en techo 3.-Parte superior del salón 4.- Decoración 5.-Cómoda

1.- Escalera principal 2.-Cerámica en pared 3.-Vidriera en techo 4.-Ventanas de la escalera 5.-Dibujo cerámico de pared.

Doménech i Montaner (arquitecto modernista catalán)

Joan Bautista Humet (cantautor valenciano)

Joan Bautista Humet (cantaautor valenciano, nacido en Navarrete (Valencia) y afincado en Terrassa (Barcelona) desde hace años.
Ayer por la noche murió en Barcelona, este sensible y comprometido cantautor valenciano, a la edad de 58 años, de un cáncer de estómago. Su compromiso humano estaba siempre a flor de piel, en sus canciones, en su vida privada...
Clara es una joven atrapada por las drogas, que lo pierde todo, trabajo, amigos... desembocando en su propia destrucción, a causa de ese mal tan terrible de nuestros tiempos.

El Modernismo en Catalunya s. XIX

Comentario de 24-10-08 del blog isabelnunez-zbelnu.blogspot.com El ginjoler (El azufaifo)

Ayer al fin, gracias al esfuerzo mediático, al Avui y a Localia, alguien vino a desbrozar y llevarse la basura del jardín del azufaifo. Yo ni siquiera lo vi, pasé dos veces corriendo por su lado y entre los coches y la gente no pude acercarme a la otra acera. De noche, Abel me avisó por email, así que me puse los zapatos, después de ver la serie En terapia (que Rodrigo García sólo ha adaptado de una serie original israelí), de madrugada y lo vi.
Como todas las brigadas de limpieza, arrasaron y cortaron seguramente de cuajo el bosquecillo de azufaifos que había crecido alrededor. También desataron, quizás con furia, los lazos verdes reivindicativos que había atados a la reja.
Pero se veia tan radiante el árbol sin basuras ni ratas, al fin en su jardín (casi como antes, aunque sin su bonita reja ni la casa que lo protegía de construcciones siniestras) y ya no en un vertedero, sin ese abandono

Isidro Nonell (Barcelona 1873-1911)

"Playa de Pequín" y "Abatimiento"

Isidro Nonell (Barcelona 1873-1911)

La pintura barcelonesa tuvo en Nonell el máximo exponente dentro de la generación posterior a Casas y a Rusiñol, quienes habían traído de su larga permanencia en París a finales del s. XIX, novedades pictóricas extraídas de Whistler y Sargent. Prácticamente autodidacta, Nonell con el paisajista J. Mir y con R. Canals formó un grupo de pintores jóvenes que practicaban en los alrededores de Barcelona el paisaje. En 1894 realizó en el Valle de Bohí cuadros inspirados en la observación de la mísera gente montañesa, y desde 1893 pasó a París brevemente. En Barcelona formó parte del grupo de artistas que se reunía en el cenáculo Quatre Gats, al que concurría también el joven Picasso. Desde 1903 dibujó y pintó preferentemente, figuras de gitanas, tema que consiguió interpretar con una profundidad de visión y riqueza cromática excepcionales. Desde 1909 colaboró como dibujante ilustrador en la publicación semanal satírico-literaria titulada Papitu. Fuente Cien Obras Maestras de la Pintura. Biblioteca Básica Salvat

Ricardo Canals i Llambi (Barcelona 1876-1931)

Joaquim Mir Trinxet (pintor català)- 1873-1940

Su visión panteísta del paisaje desemboca en una exaltación de manchas y de color muy cercana a la abstracción lírica. Mir tiende a ir siempre más allá en un camino imparable de puras especulaciones plásticas. Su paleta y su pincel parecen incapaces de contenerse: la naturaleza ya no es algo que está ahí, ni siquiera traducido de una forma idealista, sino que va configurándose en la tela en una composición de luces, materias y colores que llega a tener algo de musical. Su aislamiento le da ese aire de visionario para quien el tremolar arbitrario de la mancha se convierte en su propio mundo.

ÁRBOLES. Para más información interesante sobre estos árboles y otros, podéis visitar el blog: polis-zbelnu.blogspot.com, de donde se han extraido.

Araucaria australiana (Collserola -Barcelona)

"El Ginjoler" (català) de Sant Gervasi (Barcelona)
Árbol reivindicado por unas vecinas del barrio, porque lo iban a talar para hacer una construcción. Además de su valor es un árbol bicentenario.

Cedros en el Parque de Collserola (Barcelona)

Pinus pinea
Pino piñonero
Vallvidriera (Barcelona)

Fiódor Vasíliev (1850 Gátchina, cerca de San Petersburgo-1873 en Yalta) refª World Classic Gallery

In the Mountains of Crimea.
Su raro talento, la belleza y osadía en el colorido, la profundidad de sus formas realistas han hecho de sus obras verdaderos modelos para los paisajistas del s. XIX
Su estilo se aproxima al de los "itinerantes"
Los últimos años de su vida, ya enfermo, los pasó en Crimea. A pesar de encontrarse en un ambiente para él desacostumbrado siguió trabajando sobre motivos paisajísticos pertenecientes a la Rusia Central, y para ello echó mano de sus estudios y de su extraordinaria memoria pictórica.(Fuente: La pintura en los Grandes Museos, Ed. Planeta 1981

Fiódor Vasíliev (1850 Gátchina, cerca de San Petersburgo-1873 en Yalta) refª Museos Rusos

F. Vasiliev. “El deshielo”. 1871


Un hombre y un niño recorren un rincón perdido de la Rusia rural. Al fondo a la derecha se divisa una isba (vivienda rural de madera, característica de algunos países del norte de Europa, y especialmente de Rusia.).

A la edad de 20 años Fiodor Vasiliev emprendió junto a Iliá Repin un viaje por el Volga. Este cuadro inagura un nuevo periodo creativo fruto de dicho viaje. De no haber sido por su muerte prematura se dice que Vasiliev pudo haberse convertido en el más importante paisajista ruso.

Esta obra forma parte de la colección la Galería Tetriakov de Moscú.

Eduard Munch (Löten-Noruega)-1863-1944- "Pubertad" Expresionismo

25 DE NOVIEMBRE DIA MUNDIAL CONTRA LA VIOLENCIA SOBRE LA MUJER

Yohannan Simon (Israel) Paisaje de la Galilea superior-1943

1.-Árbol en el Gein (1907)
2.-Árbol Rojo
3.-Bosque cerca de Oele(1908)

Piet Mondrian (neoplasticismo)-Amersfoort(Países Bajos) 1872-1944

Piet Mondrian (neoplasticismo)-Amersfoort(Países Bajos) 1872-1944

Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1908, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con los reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a saber las raíces de su abstracción futura.

La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.

Marc Chagall (1887-1985) "The Fiddler"

Marc Chagall (1887-1985)

Nació en Vitebsk, Bielorrusia, siendo el mayor de nueve hermanos. Su nombre natal fue Moishe Shagal.
Fue uno de los más importantes artistas del surrealismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños.
En 1907, Chagall se muda a San Petersburgo donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte donde estudió bajo la tutoría de Nikolai Roerich.
Al comenzar la 1ª G.M. Chagall permanece en su pueblo natal. En 1915 se casa con Bella y al siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida.
Chagall se volvería un participante activo en la Revolución Rusa de 1917 El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte par la región de Vitebsk, donde fundó una escuela de arte. Sin embargo, no se desempeñó bien dentro del sistema soviético y por esta razón se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923
Con la ocupación alemana de Francia durante la 2ª G.M. y la deportación de los judíos a los campos de exterminación nazis, Chagall tuvo que abandonar París.
Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941 los Chagall se instalaron en EE.UU.
En 1981 recibió el Premio de la Fundación Wolf de Artes de Jerusalen. Murió en 1985 y está enterrado en el cementerio de Niza. Fuente:LA WIKIPEDIA

Marc Chagall (1887-1985)