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diumenge, 28 d’agost de 2011

RAMÓN CASAS I CARBÓ. 1866-1932. Fou un pintor, dibuixant i dissenyador gràfic català.


EMBARQUE DE TROPAS. Modernismo. Costumbres e interiores. 1896. Óleo sobre lienzo.90 x 180 cm. Colección particular.


Casas continuava interessat pel seu entorn i, amb l'obra titulada "Embarcament de tropes" (1896), va consolidar el seu prestigi com a pintor de temes d'història contemporània. Si el 1894 el que més el preocupava eren les execucions al garrot vil, ara es tractava de l'embarcament de tropes espanyoles per combatre la Guerra de Cuba, tema que va desenvolupar amb la intenció de copsar un fet irreversible i fatal. En la seva representació va preferir no dirigir l'atenció cap a determinats elements, i va remarcar només el poder substancial d'un moment rellevant sense trair la veritat. Gràcies a un ampli procés d'assimilació, l'autor va aconseguir mostrar un cúmul inacabable de sensacions. Els primers soldats que van pujar a bord del vaixell Alfonso XIII van ser els del Cinquè Batalló, procedents de Saragossa, i després els del Quart Batalló, que eren soldats sortejats entre els cossos destacats de Catalunya. El succés va ser plantejat per l'autor sense dramatismes ni exaltacions. El protagonista del quadre és un grup humà abatut i resignat, que no reflecteix l'esperit militar i que només és la imatge d'una massa d'homes dirigits. Aquesta obra va ser presentada a l'Exposició Internacional de Berlín de 1896 amb el títol de "Bona artillería."

EMBARQUE DE TROPAS.
Casas continuaba interesado por su entorno y, con la obra titulada "Embarcament de tropes" (1896), consolidó su prestigio como pintor de temas de historia contemporánea. Si en 1894 lo que más le preocupaba eran las ejecuciones por el garrote vil, ahora se trataba del embarque de tropas españolas para combatir en la Guerra de Cuba, tema que desarrolló con la intención de captar un hecho irreversible y fatal. En su representación prefirió no dirigir la atención hacia determinados elementos, y remarcó únicamente el poder sustancial de un momento relevante sin traicionar la verdad. Gracias a un amplio proceso de asimilación, el autor consiguió mostrar un cúmulo inacabable de sensaciones. Los primeros soldados que subieron a bordo del barco Alfonso XIII fueron los del Quinto Batallón, procedentes de Zaragoza, y después los del Cuarto Batallón, que eran soldados sorteados entre los cuerpos destacados de Catalunya. El suceso fue planteado por el autor sin dramatismos ni exaltaciones. El protagonista del cuadro es un grupo humano abatido y resignado, que no refleja el espíritu militar y que solo es la imagen de una masa de hombres dirigidos. Esta obra fue presentada en la Exposición Internacional de Berlín de 1896 con el título de "Bona artilleria."

ENCAPÇALAMENT DEL BLOG. "MONTMARTRE." Modernisme. Paisatges i vistes. Oli sobre tela. 64 x 45 cm. Biblioteca Museu Víctor Balaguer. Vilanova i la Geltrú. España.

ENCABEZAMIENTO DEL BLOG. "MONTMARTRE." Modernismo. Paisajes y vistas. Óleo sobre lienzo. 64 x 45 cm. Biblioteca Museu Víctor Balaguer. Vilanova i la Geltrú. España.






















ESTUDI. Modernisme. Retrats. 1891. Oli sobre tela.  55 x 35 cm. Museu del Cau Ferrat. Consorci del Patrimoni de Sitges. Sitges. España.


La inserció de la figura humana dins el paisatge va ser un dels aspectes que més va preocupar els pintors impressionistes. El desig de copsar una escena a l'aire lliure els va dur a situar les figures sota la llum natural. Els pintors catalans també es van sentir atrets per aquest repte pictòric. En aquesta recerca d'integració de la figura en l'ambient va destacar Ramón Casas, que, a principis dels anys noranta, va avançar vigorosament en el camí de l'observació dels rics efectes lumínics que incideixen sobre els cossos i vestits. Aquesta obra, una representació que mostra una figura asseguda en un racó d'un pati blau, típic de les cases de Sitges, és un exemple d'aquesta voluntat. La llum que absorbeix la figura va induir l'artista a copsar les ombres lumíniques, sense deixar d'observar el color amb el qual va aconseguir matisos de bellesa incomparable.
Per a Ramón Casas el món era una impressió acolorida, concepció que el va dur a aconseguir gradacions d'extraordinària riquesa, que presentaven atractives tonalitats. La qualitat dels tons rosats del rostre femení i del blanc del vestit, que destaca juntament amb el negre i el rosa, són mostres evidents que ens permeten veure l'alta capacitat cromàtica de Casas.
Estudi va formar part de l'exposició del Salon des Indépendants del 1891, així com de la Segona Exposició Rusiñol, Casas i Clarasó de 1891, i de la Primera Exposició de Belles Arts de Sitges, celebrada el 1892

ESTUDIO.
La inserción de la figura humana en el paisaje fue uno de los aspectos que más preocupó a los impresionistas.
El deseo de captar una escena al aire libre los condujo a situar las escenas bajo la luz natural.
Los pintores catalanes también se sintieron atraídos por este reto pictórico. En esta búsqueda de integración de la figura en el ambiente destacó Ramón Casas, que, a principios de los años noventa, avanzó vigorosamente en el camino de la observación de los ricos efectos lumínicos que inciden sobre los cuerpos y vestidos.
Esta obra, una representación que muestra una figura sentada en un rincón de un patio azul, típico de las casas de Sitges, es un ejemplo de esta voluntad.
La luz que absorbe la figura indujo al artista a captar las sombras lumínicas, sin dejar de observar el color con el cual consiguió matices de belleza incomparable.
Para Ramón Casas el mundo era una impresión coloreada, concepción que lo llevó a conseguir gradaciones de extraordinaria riqueza, que presentaban atractivas tonalidades.
La calidad de los tonos rosados del rostro femenino y del blanco del vestido, que destaca juntamente en el negro y el rosa, son muestras evidentes que nos permiten ver la alta capacidad cromática de Casas.
Estudi formó parte de la Exposición del Salon des Indépendants de 1891, así como de la Segunda Exposición Rusiñol, Casas y Clarasó de 1891, y de la Primera Exposición de Bellas Artes de Sitges, celebrada el 1892










AL MOULIN DE LA GALETTE. Modernisme. Retrats. 1892. Oli sobre tela. 117 x 90 cm. Abadía de Montserrat.

Seguint la tradició d'artistes com Édouard Manet, Edgar Degas, Gustave Caillebotte o Tolouse-Lautrec, Ramón Casas va interpretar el tema d'una dona jove d'aspecte agradable asseguda davant d'una taula del Moulin de la Galette. El nostre autor va esdevenir un autèntic cronista de Montmartre, amb gran coneixement dels ambients i la diversitat de caràcters i personatges.
En aquest cas va triar com a model Madeleine de Boisguillaume, per la qual cosa aquesta obra és coneguda popularment amb el nom de La Madeleine. Casas va representar la noia en un estat anímic dominat per la gelosia. Amb gran senzillesa i sensibilitat pictòrica, el pintor va fer arribar fins a l'espectador el sentiment d'una dona desesperada que sosté un cigar en una mà, mentre l'altra, posada sobre la taula, reafirma la idea de nerviosisme i inquietud, que també es reflecteix als seus ulls. La causa del desassossec podria tenir a veure amb dues figures reflectides al mirall, a l'esquerra de l'obra. Aquest element, el mirall, ja havia estat utilitzat per l'autor a Jalousie (1891); això no obstant, en l'esmentada composició només ocupa un terç de l'obra, mentre que en aquesta abasta gairebé la meitat, cosa que atorga més força a la figura femenina. El personatge està situat en primer terme; és una dona intensament vital, inquieta per alguna circumstància que el pintor hàbilment va suggerir fora de l'espai pictòric. És tractada com una criatura d'estructura òssia sòlida, animada per una energia que l'artista va concentrar en el joc de cames i braços, la força de la mirada i l'expressió del rostre.
El mirall és un recurs que ens duu a uns límits allunyats i difusos, mitjançant els quals l'artista vol donar-nos  la imatge del lloc on es perden els pensaments de la protagonista.

AL MOULIN DE LA GALETTE.
Siguiendo la tradición de artistas como Édouard Manet, Edgar Degas, Gustave Caillebotte o Tolouse-Lautrec, Ramón Casas interpretó el tema de una mujer de aspecto agradable sentada delante de una mesa del Moulin de la Galette. Nuestro autor llegó a ser un auténtico cronista de Montmartre, con gran conocimiento de los ambientes y de la diversidad de caracteres y personajes.
En este caso escogió como modelo Madeleine de Boisguillaume, por lo cual esta obra es conocida popularmente con el nombre de La Madeleine. Casas representó a la chica en un estado anímico dominado por los celos. Con gran sencillez y sensibilidad pictórica, el pintor hizo llegar hasta el espectador el sentimiento de una mujer desesperada que sostiene un cigarro en una mano, mientras la otra, apoyada sobre la mesa, reafirma la idea de nerviosismo e inquietud, que también se refleja en sus ojos.


La causa del desasosiego podría tener relación con dos figuras reflejadas en el espejo a la izquierda de la obra. Este elemento, el espejo,  ya había sido utilizado por el autor en Jalousie (1891); a pesar de ello, en la mencionada composición solo ocupa un tercio de la obra  mientras que en esta alcanza casi la mitad, cosa que otorga más fuerza a la figura femenina. El personaje está situado en primer término; es una mujer intensamente vital, inquieta por alguna circunstancia que el pintor hábilmente sugirió fuera del espacio pictórico. Es tratada como una criatura de estructura ósea sólida, animada por una energia que el artista  concentró en el juego de piernas y brazos, la fuerza de la mirada y la expresión del rostro.
El espejo es un recurso que nos lleva a unos límites alejados y difusos, mediante los cuales el artista nos quiere dar la imagen del lugar donde se pierden los pensamientos de la protagonista.











 





RETRAT DE ELISA CASAS. (La seva germana.) Modernisme. Retrats.  1889. Oli sobre tela.  200 x 100 cm. Colecció particular.

RETRAT DE MARIA RUSIÑOL, (filla del pintor Santiago Rusiñol.) Modernisme.Retrats. 1893. Oli sobre ltela 81 x 66 cm. Colecció particular.

En aquest retrat de la filla de Santiago Rusiñol, Casas va saber aconseguir una magnífica equivalència entre el valor del rostre de la retratada i la força cromàtica del vestit amb què va representar-la. La figura, suggerida a partir d'un triangle rectangle, mostra Maria Rusiñol asseguda, de perfil i amb el cap girat cap al pintor. Un moviment mitjançant el qual l'artista va aconseguir posar a la vista aquell rostre infantil, de grans ulls i de llavis ben dibuixats, en el qual -especialment a través de la mirada- va buscar i va aconseguir atrapar la sensació de vida que aquella nena transmetia.
Aquesta obra té, a més, un valor afegit, com és l'equilibri existent entre zones lleugeres i succintes i altres més detallades i minucioses. Aquest aspecte es pot veure si es compara la simplicitat plenament efectista del vestit amb la precisió amb què Casas va pintar el rostre, suggerit amb una tècnica fosa que dóna com a resultat una superfície uniforme. Si per al rostre va utilitzar un modelat de finor extremada, per al vestit va utilitzar pinzellades que, disposadas en diversos punts, produeixen efectes de llum reflectida. L'execució del vestit ens permet veure com, amb poques pinzellades, el pintor va recrear les qualitats de la matèria. Cadascun d'aquests trets posseeix, per si mateix, un alt nivell pictòric. Amb una rica varietat de pinzellades, amb les quals va tractar el vestit i les flors, va aconseguir un esplèndid contrast de valors, de línies i de superfícies. Cal destacar també el valor de l'empastament en els guarniments roses del vestit, colors que troben ressó a les flors que decoren un dels costats de la paret del fons.

RETRATO DE MARÍA RUSIÑOL.

En este retrato de la hija de Santiago Rusiñol, Casas supo conseguir una magnífica equivalencia entre el valor del rostro de la retratada i la fuerza cromática del vestido con qué la representó.  La figura, sugerida a partir de un triángulo rectángulo, muestra a Maria Rusiñol sentada, de perfil y con la cabeza girada hacia el pintor. Un movimiento mediante el cual,  el artista consiguió mostrar aquel rostro infantil, de grandes ojos y de labios bien dibujados en el cual -especialmente a través de la mirada- buscó y consiguió atrapar la sensación  de vida que aquella niña transmitía.

Esta obra tiene, además, un valor añadido, como es el equilibrio existente entre zonas ligeras y sucintas y otras más detalladas y minuciosas. Este aspecto se puede observar si se compara la simplicidad plenamente efectista del vestido con la precisión con qué Casas pintó el rostro, sugerido con una técnica fundida que da como resultado una superfície uniforme. 
Si para el rostro utilizó un modelado extremadamente fino,  para el vestido utilizó pinceladas que,  dispuestas en diversos puntos producen efectos de luz reflejada.  La ejecución del vestido, nos permite ver como con pocas pinceladas, el pintor recreó las cualidades de la materia. Cada uno de estos rasgos posee, por sí mismo, un alto nivel pictórico. Con una rica variedad de pinceladas, con las cuales trató el vestido y las flores, consiguió un espléndido contraste de valores, de líneas y de superfícies. Es preciso destacar también el valor del empaste en los ornamentos rosas del vestido, colores que encuentran su eco en las flores que decoran uno de los lados de la pared del fondo. 




RETRAT DEL PINTOR ISIDRE NONELL. Modernisme. Retrats.1898. Carbó i fons pulveritzat 64 x 30 cm. Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona. España.

LA SARGANTEINE. Modernisme. Retrats. 1907. Oli sobre tela.  91 x 63 cm. Colecció Cercle del Lliceu Barcelona. España. (La modelo es Júlia Peraire, con quién se casó el pintor en 1922)


ABANS DEL BANY.  Modernisme. Retrats. 1895. Oli sobre tela. 72,5 x 60 cm. Abadía de Montserrat.

GARROT VIL. Modernisme. Paisatges i vistes. 1894. Oli sobre tela.x 166.2 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. España.

La tela té com a tema la interrupció violenta d'una vida. L'escena se situa al Pati dels Corders, a l'antiga presó de Barcelona, un espai tancat sense escapatòria per al reu. Les línies constituïdes per les successives barreres humanes al voltant del punt fatídic on està situat el pres són les autèntiques protagonistes de l'obra.
Casas va fer servir una gamma freda i pessimista, fugint de tot allò anecdòtic i expressiu que es pogués extreure de la representació de l'individu que pateix directament les conseqüències de l'acció. Aquest no reclama l'atenció, ni l'interès del pintor, que va preferir convertir en protagonistes les forces socials que ajuden que l'episodi tingui lloc. Si bé l'espai plantejat per Casas, tancar per un potent mur, nega qualsevol sortida per al reu, la muralla formada per les autoritats eclesiàstiques, civils i militars reafirma la impossibilitat de la fugida. A una certa distància, queda situada la massa popular anònima, una aglomeració sense forma que tanca l'espai. Per aconseguir-ho, Casas va crear una composició basada en plantejaments habituals, com ara situar la línia de l'horitzó a dos terços d'altura. Amb aquesta solució el pintor va disposar un espai urbà perfectament ambientat, suficient per proporcionar més expressivitat a l'obra i que li va permetre mantenir units tots els elements en una direcció emocional ben definida.
El simbolisme dels arbres secs, sense fulles, fa augmentar la concepció d'un escenari desolat i hostil, alhora que les línies equilibren la composició. En aquesta obra l'autor va aconseguir la integració progressiva de l'observador anònim en un espai pictòric, de manera que arriba a ser testimoni de l'acció representada i, com un personatge més, respira el mateix aire. Amb les figures vistes d'esquena, espectador i pintura queden units en un únic espai.


GARROTE VIL.
La tela tiene como tema la interrupción violenta de una vida.  La escena se situa en el Pati dels Corders, en la antigua prisión de Barcelona,  un espacio cerrado sin escapatoria para el reo. Las líneas constituídas por las sucesivas barreras humanas alrededor del punto fatídico donde está situado el preso, son las auténticas protagonistas de la obra.

Casas utilizó una gama fría y pesimista,  huyendo de lo anecdótico y expresivo que se pudiera extraer de la representación del individuo que sufre directamente las consecuencias de la acción.  Este no reclama la atención, ni el interés del pintor, que prefirió convertir en protagonistas las fuerzas sociales que ayudan a que el episodio tenga lugar. Si bien el espacio planteado por Casas, cerrado por un potente muro, niega cualquier salida para el reo,  la muralla formada por las autoridades eclesiásticas, civiles y militares reafirma la imposibilidad de la huída.  A una cierta distancia queda situada la masa popular anónima,  una aglomeración sin forma que cierra el espacio.  Para conseguirlo, Casas creó una composición basada en planteamientos habituales, como situar la línea del horizonte a dos tercios de altura. Con esta solución el pintor dispuso un espacio urbano perfectamente ambientado, suficiente para proporcionar más expresividad a la obra y que le permitió mantener unidos todos los elementos en una dirección emocional bien definida. 

El simbolismo de los árboles secos, sin hojas,  aumenta la concepción de un escenario desolado y hostil al mismo tiempo que las sombras equilibran la composición. En esta obra el autor consiguió la integración progresiva del observador anónimo en un espacio pictórico, de forma que llega a ser testigo de la acción representada y, como un personaje más, respira el mismo aire.  Con las figuras vistas de espaldas, espectador y pintura quedan unidos en un mismo espacio. 

Nota: En cuadros como éste de grandes dimensiones, es preferible que cliquéis en la fotografía y así saldrán en su verdadera dimensión, en la cual se podrán apreciar mejor. Algunos quedan un poco cortados por mi obsesión en querer ponerlos al máximo de grandes y no coge tanto.





LE SACRÉ-COEUR. MONTMARTRE. Modernisme. Paisatges i vistes.
1891. Oli sobre tela. 67 x 55.5 cm. Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona. España.

PAISATGE.  Modernisme.  Paisatges i vistes. Oli sobre tela.  63 x 55 cm. Colecció particular.


LA CÀRREGA. 1899. Oli sobre tela.  298 x 470.5 cm. Museu comarcal de la Garrotxa. Olot (Girona.) Dipòsit del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

Als seus trenta-tres anys, Casas va creure que sentia la necessitat de plantejar-se una obra que demostrés la seva capacitat d'enfrontar-se i de solucionar problemes pictórics de gran envergadura. Amb aquesta idea es va dedicar a pintar una composició d'una mida que ell no acostuma a utilitzar, per enviar-la a l'Exposició Universal de París de 1900 Però precisament a causa de les dimensions de l'obra no va ser acceptada en aquest certamen.
La càrrega (1899-1902) pot definir-se com la culminació de les seves pintures en les quals la massa humana pren el protagonisme. Hi va voler concretar l'expressió d'un pànic col.lectiu i, pr aconseguir-ho va rebre l'ajuda de l'efecte que produïa aquella massa anònima fugint i dispersant-se terroritzada per l'acció de la força decidida i violenta. Amb la fugida queda un espai de gran valor i expressivitat. Per a l'escenari de La càrrega, Casas va triar un suburbi de la ciutat. Un volum poc definit, que recorda Santa Maria del Mar, li va ser útil per indicar que l'acció tenia lloc en un àmbit urbà, mentre que unes xemeneies industrials li van servir per representar el vessant obrer d'aquell àmbit.
Casas va insistir a donar força i valorar una gran zona buida; un espai lliure i indiferenciat, articulat gràcies a la geometria elemental definida per la verticalitat del cavall i del guàrdia, i l'horitzontalitat del fons ciutadà. De tot el contingut destaca el moviment dels protagonistes situats en primer terme, especialment la del guàrdia civil a cavall que frena l'animal.
Els protagonistes dels diferents termes són units per un ambient, malenconiós i trist, entre la boira que allunya la ubicació urbana. Casas va triar un capvespre d'una gran força expressiva per a una escena que és vista a contrallum sota un cel rogent.

LA CARGA.
A sus trenta años, Casas creyó que sentía la necesidad de plantearse una obra que demostrase su capacidad de enfrentarse y de solucionar problemas pictóricos de gran envergadura. Con esta idea se dedicó a pintar una composición de una medida inusual en él, para enviarla a la Exposición Universal de París de 1900
Pero precisamente a causa de las dimensiones de la obra no fue aceptada en aquel certamen.
La carga (1899-1902) puede definirse como la culminación de sus pinturas en las cuales la masa urbana toma el protagonismo. Quiso concretar en ella, la expresión de un pánico colectivo y, para conseguirlo, recibió la ayuda del efecto que producía aquella masa humana huyendo y dispersándose aterrorizada por la acción de la fuerza decidida y violenta. Con la huída queda un espacio de gran valor y expresividad. Para el escenario de La carga, Casas eligió un suburbio de la ciudad. Un volúmen poco definido, que recuerda Santa María del Mar, le fue útil para indicar que la acción tenía lugar en un ámbito urbano, mientras que unas chimeneas industriales le sirvieron para representar la vertiente obrera de aquel ámbito.
Casas insistió en dar fuerza y valorar una gran zona vacía; un espacio libre e indiferenciado, articulado gracias a la geometría elemental definida por la verticalidad del caballo y del guardia, y la horizontalidad del fondo ciudadano. De todo el contenido destaca el movimiento de los protagonistas situados en primer término, especialmente la del guardia civil a caballo que frena al animal.
Los protagonistas de los diferentes términos están unidos por un ambiente, de melancolía y tristeza, entre la niebla que aleja la ubicación urbana. Casas eligió un crepúsculo de una gran fuerza expresiva para una escena que se muestra a contraluz baja un cielo rojizo.
























PÈL &amb; PLOMA. Modernisme. Esboços i Dibuixos 1899. Carbonet, llapis conté i tinta chinesa 25.6 x 47.7 cm. Museu Nacional d'Art de Catalunya. Barcelona. España.


RIBA DE RIU AMB FIGURA. Modernisme. Paisatges i vistes. Oli sobre tela. 1912.  42 x 50 cm. Museu de Pintura Sant Pol de Mar.

FONT DELS QUADRES. LA CIUDAD DE LA PINTURA i  FORO XERBAR.
FONT DELS TEXTOS: Grans genis de l'Art a Catalunya "CASAS" Ciro Ediciones S.A. 2008 -ISABEL COLL (textos.)





NOTA.- La fecha de nacimiento del pintor que pone en el vídeo: 1886 está equivocada, es en 1866 que nació, o sea en la fecha que pongo en el post. Bosón de Higgs me ha advertido del error.

25 comentaris:

Bosón de Higgs ha dit...

Ahora que conozco algunas de sus obras que es un grandísimo pintor con una buena técnica,si que sabía plasmar todo lo que se proponía,buen cuadro el de La Madelaine y también el de su hermana y todos en general.
Yo lo he editado en horóscopos con un cuadro espectacular,que sale en tu vídeo,por cierto en el vídeo sale su nacimiento en 1886 en vez de 1866,fe de errata jeje.
Besos Clariana,sigue enseñándonos como siempre.

clariana ha dit...

¡Hola Bosón!
Me ha gustado mucho todo lo que me comunicas sobre tu blog y sobre este pintor.
Tengo que hacerte una aclaración, que mi fecha no está equivocada, es la del vídeo la errada.
Nació en 1866 y como he leído su biografía te puedo decir que es imposible que naciera en 1886, ya que tendría 46 años al morir y éso es del todo erróneo, porque se casó en 1922 con Julia Pereira a sus 56 años. Julia era una muchacha de 18 años a quién conoció cuando él tenía 40, era su modelo y su amor. No pudo casarse con ella hasta pasados 16 años, porque su família burguesa la rechazaba por su inferior condición social. Así que te agradezco tu indicación pero no es cierta, internet se equivoca mucho, hay que leer su biografía para saberlo.
Gracias por tu comentario y por ese detalle que yo no puedo rectificar pues en el vídeo es imposible y además no es mío.
Un beso.

clariana ha dit...

He querido decir Júlia Peraire.

Devaneos de un moderno Peter Pan ha dit...

¡Hola Clariana!

La obra de Ramón Casas me ha parecido estupenda. El impresionismo, el tema de la "mujer joven", el detallismo de las multitudinarias y pequeñas cabezas en el cuadro de "El garrote vil"... ¡Genial! Por otro lado, traen a la memoria toda la escuela francesa finisecular y prevanguardista. De nuevo, Montmartre se alza en un lienzo. ¿Por qué será que un templo, en principio, religioso, fue elegido y ensalzado como representante de la Bohemia y todo lo que ésta significaba - especialmente, todo lo contrario a dicho fin?

Pero llevaba unos cuantos días sin pasarme por aquí y, la verdad es que el crudo socialismo -en tanto al reflejo de la sociedad de su tiempo - de la obra del burgalés en tu post anterior, me he dejado boquiabierta. Las escenas de Castilla; "El sudor"; el "Bodegón de la tierra"; el "Hombre pidiendo paz" (¡brutal!) y el "Sin título", en el que un soldado carga a otro en la espalda, son increibles. Quizá sea que yo también le debo a este paisaje -y a su paisanaje, naturalmente- todo lo que, modestamente, voy siendo.

Un abrazo y encantada de ver actualizaciones como éstas.

tecla ha dit...

Una entrada magistral que te agradezco profundamente, Clariana.
Me faltan las palabras para explicarme, porque una simple explicación no basta. Así que en tu honor he disfrutado a conciencia con tu post que define y describe a uno de los pintores más admirados y valorados de la historia del Arte.
También adorado y querido por mi.

Bosón de Higgs ha dit...

Clariana ya lo sé,si te estoy diciendo lo mismo,lee por favor bien mi comentario,que el vídeo se equivoca,que pone 1886 en vez de poner 1866.
Éste pintor tiene obras del 1890 y 1892 lo que sería que las hubiera pintado con 4 o 6 años y seguro que tiene obras mucho antes por lo que se deduce que nació en 1866,¡ayyyyyyy!.
Saludos Clariana.

soy... ha dit...

Me encantan los colores que usa, y me llama la atención AL MOULIN DE LA GALETTE. La chica tiene una expresión y una mirada que da la impresión de que mira a alguien que está al lado de uno.

Gracias por traducir, es un esfuerzo doble por entradas.

Un saludo.

Martín Garrido ha dit...

Me encanta Casas, siempre ha sido de mis preferidos de su época... sus trazos serenos a la par que valientes... sus rostros y escenas costumbristas... su realidad mágica a la española, en una palabra... Muy buen artículo.

clariana ha dit...

¡Hola Judith!
Es muy interesante todo lo que comentas y me alegro de que te hayan gustado las obras de José Vela Zanetti y también de Ramón Casas.
Que el Sacré Coeur se erigiera en símbolo de los impresionistas yo pienso que es del todo lógico, pues en realidad es un barrio -el de Montmartre- y en su cima está ese precioso templo.
Yo creo que lo símbolos no tienen nada que ver ni con la política, ni con la religión, ni con lo militar. Una cosa son los poderes y el daño que hacen y otra los que están metidos en esas redes que no siempre son malas personas y también son dañados por esos mismos poderes si se salen de los límites que les marcan.
Yo creo que la religión tiene muchos aspectos negativos, pero también los tiene de positivos, me refiero a las obras de las personas humildes que se mueven en ella, no me refiero a las jerarquías. Creo que todo es discutible y que no hay absolutos buenos ni malos, pero me gusta tu sentido de la crítica, de la reflexión.
Un beso.

clariana ha dit...

¡Hola Bosón!
Tienes razón, fui yo la que interpreté mal tu comentario. Es que reviso tanto los post antes de publicarlos que me sobresaltó. En todo caso, de lo que no me dí cuenta es lo que tu advertiste, el error de la fecha de nacimiento del pintor en el vídeo.
Disculpa.
Un petó.

clariana ha dit...

¡Hola Tecla!
Me he saltado tu comentario sin darme cuenta. Bueno lo respondo ahora.
Me alegra saber que este pintor es conocido y muy apreciado por tí y que por tal motivo, te haya gustado mi post.
Te agradezco tus amables palabras.
Un beso.

Javier 16 ha dit...

Me han fascinado los cuadros de Ramón Casasi, pero destacaría el retrat de Elisa Casas y el garrot Vil, sobre todo por esa luz lograda tan real en un supuesto día plomizo.
Ramón Casasi Carbó, lo tendré en cuenta. Envidiables estos artistas del pincel fino.

Abrazos Clariana.

teca ha dit...

Gostei muito dos quadros ABANS DEL BANY e RIBA DE RIU AMB FIGURA, em especial este último.
Não sei e não entendo muito... mas o pintor me encanta, embora eu perceba um ar de tristeza nos traços delicados e sombrios... não sei dizer... são telas magníficas...
Obrigada, clariana, por sempre nos apresentar beleza e cultura em suas postagens.
Um beijo afetuoso.

carlitox ha dit...

Me encanta la Madeleine y los reflejos del espejo. En verdad su expresión, más que de celos, me parece de frustración. Es decir, creo que supera el momento cumbre de los celos, cuando la tristeza sucede a la rabia. De todas formas, me gusta mucho.
Un abrazo.

clariana ha dit...

¡Hola Soy!
Creo que en la faceta que más destacó Ramón Casas es en el retrato, pues consigue captar muy bien la psicología del personaje que pinta, además de utilizar una exquisita técnica.
No tiene importancia lo de las traducciones, prefiero tener un poco más de trabajo y que lo puedan entender todos, sino no tiene mucho sentido. Agradezco tu valoración.
Un saludo con afecto.

clariana ha dit...

¡Hola Martín!
Gracias por tu comentario, siendo pintor como eres puedes apreciarlo todavía mejor, pues captas más las técnicas que utiliza.
Supongo que aquella época aunque difícil también y dura para muchos, tendría una parte muy fascinante.
Saludos.

clariana ha dit...

¡Hola Javier!
Quería poner también el texto sobre su hermana, pero ya se hacía muy extenso el post.
Una de las cosas que dice en él es que buscaba un ambiente que sintonizara con el retrato de ella, que en lugar de poner plantas con flores vistosas, prefirió pintar plantas solo verdes en armonía con los verdes de su vestimenta.
Bueno dice más cosas.
He tenido que recorrer bastantes pintores, para poder valorar a Ramón Casas, quiero decir que a veces no es fácil apreciar a los pintores a primera vista.
El garrot vil es un cuadro que impresiona, como un ser y las miserias que le han llevado allí, pueda ser centro de tanta espectación, tanta morbosidad...
No puedo evitar pensar que ahora se hace algo parecido con algunos animales como tú ya sabes. Avanzamos pero nos cuesta.
Un abrazo.

Balovega ha dit...

Extraordinario amiga !!!..

Hola y bello día del blogguero:

Si la vida te da mil razones para llorar, demuestra que tienes mil y una para soñar.

Haz de tu vida un sueño y de tu sueño una realidad.

Feliz regreso de vacaciones, gracias..

Un besote

clariana ha dit...

¡Hola Balovega!
Muy interesantes tus palabras, son frases que animan a vivir, a seguir luchando con los contratiempos.
Aunque no he salido a ningún lado, gracias por tus buenos deseos.
Un abrazo.

clariana ha dit...

¡Hola Teca!
Son excelentes los cuadros que has escogido, ABANS DEL BANY me fascina por esos toques de luz que consigue y sobretodo por la penetración de la luz por la persiana. Hace falta ser un maestro para lograr esos efectos.
La pintura te va gustando a medida que ves más cuadros, más obras en los museos, no sería lo interesante que es si solo fuera para entendidos.
Un abrazo.

clariana ha dit...

¡Hola Carlitox!
Es un sentimiento que agota mucho, que desespera este de los celos ¿y quién no lo ha sufrido alguna vez?
A veces he pensado si vale la pena sufrir tanto por una persona que no lo merece cuando te ha dejado por otra y habiendo tantas personas en el mundo, pero cuando se pasa no te haces esta reflexión.
Saludos.

PACO HIDALGO ha dit...

Como siempre, Clariana, excelente entrada sobre Ramón Casas, magníficamente ilustrada; yo me quedo con La Carga, tiene algo que me atrae enormemente.
Ya estamos reincorporados y es un placer visitarte y saludar a los amigos; seguiremos en contacto. Una pena grande lo de Juan Diego; me enteré al ojear tu blog. Abrazos.

clariana ha dit...

¡Hola Paco!
Me alegro que estés otra vez por tu blog y también por tu visita.
Me gustó indagar un poco por el mundo pictórico y de la época de este gran pintor catalán.
Yo también sentí profundamente la muerte de Juan Diego Caballero, es una experiencia triste y además era un buen profesor con una generosidad desbordada hacia todos, hacia sus alumnos y los que consultábamos en ocasiones su blog.
Mi pequeño homenaje fue sencillo, pues me limité a copiar uno de sus post que creí que era bastante significativo para él. Me pude enterar a través de Pepe Oliver de "Blog de Sociales y otras cosas más." El puso su último post de Muralistas mexicanos.
Un abrazo.

Julia ha dit...

Hola Clariana, qué te puedo decir, es un pintor ante el que quitarse el sombrero. Es un estilo que admiro, y su obra tan prolífica. Me quedo con los retratos, bueno, y con el uso del pincel, en realidad me quedo con toda su obra.
REalmente he disfrutado mucho de este post tan completo, así da gusto pasar por aquí.
¿Estás bien?, eso espero.
Te envío un fuerte abrazo.

clariana ha dit...

¡Hola Julia!
Es reconfortante la valoración que has hecho del pintor y también de mi extenso pero sencillo post. Te agradezco tus amables palabras y tu visita.
Estoy bien por el momento, con ganas de hacer cosas, aunque el tiempo me pasa volando, apenas si me da para mis rutinas de cada día.
Un abrazo.