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divendres, 25 de juny de 2010

ARÍSTIDE MAILLOL siglos XIX i XX Nabis, Modernismo, Divisionismo...Banyuls sur mer (1861-1944)


La femme a la vague. Modernismo 1895-1898  Grabado sobre madera.                                        

L´ enfant prodigue. NABIS 1889 óleo sobre tela. colección particular. París (Francia.)

Perfil de joven. NABIS. 1891 Óleo sobre tela.


L'âne. Modernismo. Óleo sobre tela. 1890


Les arbres bordant la clairière. Modernismo 1943 Óleo sobre tela.


 La femme a la vague. Modernismo 1898 Óleo sobre tela

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Aristide Maillol (Banyuls-sur-Mer, 8 de diciembre de 1861 – Banyuls-sur-Mer, 27 de septiembre de 1944) fue un pintor, grabador y escultor francés, nacido en Banyuls-sur-Mer en el Rosellón de los Pirineos-Orientales.

Desde muy joven muestra gran afición por el dibujo; a los trece años pinta su primer cuadro. A los 18 años publica una revista, La Figue, de la que es el único redactor, impresor, ilustrador y finalmente el único cliente.
En 1882 Maillol viaja a París, donde después de varios intentos, en 1885, es admitido en los cursos  de dibujo y de pintura de la Escuela de Bellas Artes.

TAPICERÍA Y PRIMERAS CERÁMICAS

A partir de 1895 se orienta hacia la escultura, al tiempo que se interesa por la tapicería.

En 1896 decide preparar él mismo los tintes para sus tapices y sale "en busca de las plantas indispensables para su preparación... Munido de un manual Roret y de un viejo libro "muy curioso",prestado por un farmacéutico, partió en su búsqueda, a las montañas que rodean a Banyuls, acompañado de un viejo herborista. Pero la verdad vale más que la leyenda en este caso. "El viejo herborista era, en realidad, una linda muchacha, que pronto sería la señora Maillol": Clotilde Narcisse.
Ese año nace su hijo Lucien y la familia se instala en Paris, donde encontrará el grupo de los nabis. En esta época de penurias hace amistad con el escultor Émile Bourdelle, con el pintor Paul Gauguin y con Daniel de Monfreid,"el escultor nato más que pintor".
A pesar de la aceptación de sus tapices, su ejecución le afecta la vista obligándole a abandonar definitivamente este arte. Desde entonces se dedica casi exclusivamente a la escultura, muy influenciado por su amigo Gauguin, sus esculturas tienen un carácter a la vez solemne y sencillo, con un gran equilibrio y siempre enmarcándolas en figuras geométricas, centrándose en el desnudo femenino.
En 1899 conoce al Príncipe Emmanuel Bibesco, quien lo recomendará a su primera mecenas: la princesa Bibesco de Rumania.
Realiza su primera gran exposición en la galería de André Voillard, del 15 al 30 de junio de 1902. Un año después conoce al conde Harry Kessler de Alemania, quien será su mecenas más importante.

LAS GRANDES FIGURAS (1905-1914)

En 1905 le llega el éxito en el Salón de Otoño en París, donde ha expuesto la [[Mediterránea]]. A partir de aquí hace numerosas exposiciones en París, Nueva York, Berlín, Chicago. Tiene encargos y también ilustra diversos libros.

En 1909, por encargo del conde Kessler realiza las esculturas Le Désir y Le Cycliste y del coleccionista ruso Ivan Morozov Les Quatre saisons. Regala la Méditerranée a la ciudad de Perpiñán.
1913: expone en Rotterdam (Países Bajos).

VÍCTIMA DE LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL.

La amistad con el Conde Kressler llevó a que fuera atacado como colaborador de los alemanes al desencadenarse la primera gran conflagración mundial. "Todo el escándalo, dice su biógrafa Judith Cladel, se reducía a una conversación telegráfica" de Kressler al sobrino de Maillol: " La guerra es inminente. Aconseje a su tío que entierre sus estatuas... El informe acerca de Maillol "puso fin a las absurdas sospechas, y Clemenceau... puso las cosas en su lugar en cuatro plumazos, desde Hombre Libre. La Municipalidad de Marly-le-Roi tuvo que retractarse y ordenar al pregón del pueblo hacer público el resultado de la investigación".

El Estado francés le hace su primer primer encargo en 1923: un ejemplar de La Méditerranée, de mármol.
La primera exposición de Maillol en los Estados Unidos se realiza en 1925, en la ciudad de Buffalo.
En Bâle, Suiza, se efectúa la gran retrospectiva de su obra, en 1933.
En 1934, en la rue Monge de París, el arquitecto Jean-Claude Dondel, amigo de Maillol facilitó un primer encuentro con una adolescente rusa de 15 años, Dina Vierny, quien se convertirá en su última modelo. Maillol tiene 73 años.
La municipalidad de Aix-en-Provence rechaza su monumento a Cézanne.
Le es encargado el monumento al político socialista Louis Auguste Blanqui, detenido durante largos años. Maillol acepta la insignificante cantidad de que disponía Clemenceau, uno de los organizadores, y realiza, casi gratis, la Acción encadenada, erigida en la plaza de Puget-Thénier. El cura de la localidad se niega a decir misa mientras no sea retirada la escultura.
El Petit Palais de París abre la gran retrospectiva Maillol en 1937.
1938. Realiza el Monumento a los muertos de Portvendres en Céret.
En septiembre de 1939, antes de retirarse a su casa de Banyuls-sur-Mer, crea La Rivière.
Maillol pinta y dibuja mucho, empieza en 1940 la última estatua: Harmonie, su última obra, inconclusa."Arístides Maillol tenía 78 años al empezar la II Guerra Mundial, cuyo final no llegó a ver. Se ha escrito sobre su actitud con el régimen colaboracionista de Pétain, pero Dina Vierny ha explicado que el escultor aceptó esconder allí a artistas fugitivos de los nazis, que la joven modelo ayudó a cruzar la frontera por un camino que él le mostrara."
Maillol muere el 27 de septiembre de 1944, en Banyuls-sur-Mer, a consecuencia de un accidente de tránsito, acaecido diez días antes, cuando regresaba de visitar al pintor Raoul Dufy en Vernet-les-Bains. Sólo 10 personas asisten a su entierro en el cementerio local.
1963: instalación en Les Tuileries de las esculturas dadas por Dina Vierny al Estado francés.
1994: apertura del museo Maillol en Banyuls-sur-Mer.
Gracias al empeño de Dina Vierny, en el año 1995 por fín se logra la apertura del Museo Maillol en París.
En el año 2000 se realizó la gran exposición de sus obras en el espacio Maillol del Palacio de Congresos en Perpiñán.
En 2009 se realizó una extensa exposición del artista en la Casa Milà (La Pedrera), obra de Antoni Gaudí, en la ciudad de Barcelona. FUENTE: WIKIPEDIA. La enciclopedia libre. / Los cuadros de: "LA CIUDAD DE LA PINTURA."

dissabte, 19 de juny de 2010

James Abbott McNeill Whistler (Lowell, Massachusetts, EE. UU., 14 de julio de 1834 – Londres, 17 de julio de 1903) fue un pintor estadounidense

"Nocturno en Azul y Plata. Bognor" 1876 (Freer Gallery of Arts, EE.UU.)                                                
"Nocturno en Azul y Verde" 1871 Tate Britain, UK                                                                                      


"Nocturno en Azul y Plata. La laguna, Venecia" 1880 (Museum of Fien Arts EE.UU.)

"Así como la música es la poesía del sonido; así, la pintura es la poesía de la vision" J.M. Whistler

James McNeill Whistler (1834-1903) nació en Lowell, Massachusetts (E.E.U.U.), aunque vivió casi toda su vida en Inglaterra, y después también en París. En Paris fué acogido como nunca antes lo había sido ningún otro pintor americano. Disfrutó del respeto de Monet y Degas, y Camille Pissarro dijo de él "Este americano es un gran artista y el único de quien América puede estar justamente orgullosa"; Sin embargo, por desgracia, la posteridad no lo ha puesto a la altura de los que lo vieron como un colega...
Whistler realizó una serie de paisajes de noche, que él llamó "nocturnos",  que fueron rechazados por la mayor parte de los críticos de su época.
El término "nocturno" corresponde a una pieza musical para piano de caracter intimista y sentimental, inspirada en la noche. Este género fué inventado por el irlandés John Field y cultivado, sobre todo, por Fréderic Chopin. La palabra fue usada posteriormente por Whistler como título de algunas de sus pinturas. Los nocturnos de Debussy (1862-1918) fueron inspirados posteriormente por las pinturas de Whistler. Tiempo después, varios pintores también nombraron así a sus obras.
James Whistler explica así su experiencia: "Al utilizar la palabra "nocturno" quise únicamente expresar un interés pictórico, el de dejar a la tela libre de cualquier propósito anecdótico exterior, que, por lo demás, podría atribuírsele. Un nocturno es sobre todo una composición de líneas, formas y colores".
Para entender la pintura de Whistler hay que hacer alusión a la mutua admiración que existía entre Whistler y Monet, así como la admiración que ambos tenían por Turner. Ambos fueron influenciados por la "falta de acabado" y los efectos poéticos de la atmósfera de las obras de Turner. Los tres artistas compartieron asímismo su amor por el Támesis, el Sena y las lagunas Venecianas. Los tres vivían en un mundo donde la creciente industrialización provocaba una gran contaminación ambiental; sin embargo, ellos hicieron de la neblina, el humo de las fábricas y el polvo ambiental, hermosos y poéticos paisajes...


"Nocturno en azul y plata"

Por otro lado, Whistler estaba obsesionado por la belleza del arte oriental, especialmente el japonés. Los nocturnos del Támesis de la década de 1870, como "Nocturno en Azul y Oro, Old Battersea Bridge" es un ejemplo perfecto de la influencia japonesa en la obra de Whistler.
Pero la esencia de su pintura es su fantasmagórico "azul crespúsculo", etéreo y ominipresente, en el que lluvias de estrellas caen como copos de oro...
Su creación artística discurrió en paralelo con su teorización acerca del arte, según la cual la pintura debía suscitar en exclusiva emociones estéticas, prescindiendo de contenidos históricos y de la transmisión de cualquier tipo de valor moral. Por ello, en sus obras se centró en la creación de armonías de luz y color, con unas tonalidades habitualmente suaves, que muchas veces dan a sus cuadros un ambiente de cierta melancolía.
La pintura de Whistler es altamente subjetiva, puesto que encierra en ella elementos espirituales y emocionales, y por lo tanto, puede ser interpretada de diversas maneras.
El peor revés de su carrera, totalmente autodidacta, se produjo en 1878. El británico John Ruskin, escribió un furioso ataque contra el cuadro de Whistler "Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket" (1874), acusándole de chapuza y engaño y afirmando que el artista "pedía doscientas guineas por lanzar un bote de pintura al rostro del público". Whistler demandó a Ruskin por difamación y ganó el caso, aunque las costas del juicio le arruinaron, llegando al extremo de tener que vender su casa y su colecciónes. La caída de estrellas fugaces lo llevó con él...

(Abogado): Veamos, señor Whistler. ¿Puede decirme cuánto tiempo ha invertido usted para despachar ese nocturno?
(Whistler): (...) bueno, por lo que recuerdo, un día, más o menos.
- ¿Sólo un día?
- No lo afirmaría con seguridad; quizá lo haya retocado un poco al día siguiente, cuando la pintura todavía no se había secado. Por eso debería decir más bien que he trabajado dos días en él.
- ¡Ah, dos días! ¿Así que por el trabajo de dos días pide usted doscientas guineas?
- En absoluto; las pido por el saber que he adquirido en toda una vida. (Aplausos en la sala).
La respuesta de Whistler encierra una verdad profunda. Solo el tiempo y la experiencia permiten alcanzar determinados niveles de sintesis y profundidad... Whistler requirió de toda su vida, sus inviernos, sus desdichas, sus asombros, sus pensamientos durante la noche, para realizar el conjunto de pinceladas que componen sus incomprendidos nocturnos.. FUENTE: astropintura.blogspot.com "Pintando el cielo"
NOTA: He extraído el texto de esa dirección, pues es lo que más me ha gustado sobre el pintor, de todo lo que he podido encontrar.
"Nocturno en azul y oro. San Marcos. Venecia." 1880 (National Museums and Galleries of Walles.)
"Nocturne in Blue and Gold: Southampton Water" 1872. (The Art Institute of Chicago)
(El penúltimo de la serie)


"Nocturne in Black and Gold. The Falling Rocket" 1875 (Detroit Institute of the Arts)- (El cuadro por el que demandó a su difamador.)




 
 
 
 
 
 
 
 

dilluns, 14 de juny de 2010

PIERRE BONNARD (Nabis)- Fontenay-aux-Roses 1867- Le Cannet 1947 (pintor, ilustrador y litógrafo francés.)


DESNUDO EN EL BAÑO DE PIERRE BONNARD.
La gama de colores utilizada por Bonnard nace de la observación y de la exasperación de los efectos de luces que, en esta pintura, donde predominan los amarillos y los azules poseen un calor mediterráneo.
Analicemos ahora los colores utilizados por Bonnard. La pared del fondo, por ejemplo, está tratada con amarillos y violetas, con una interrupción de luz blanca en el centro. Atención, sin embargo: el blanco de la parte central contiene también pequeños trazos de rojo, amarillo y azul en cantidades mínimas, y que dan al blanco, que como punto de partida es neutro, una calidad de color.
Observemos ahora los dos amarillos. El amarillo a la izquierda está mezclado con un poco de naranja. El enrejado de la ventana, realizado con bistre alternado con tonos azulados y rosados, da un efecto de interior-exterior.
El amarillo más a la derecha, centrado entre el blanco y el rosa violeta, pese a estar cercano como gama al amarillo descrito anteriormente, contiene una mayor cantidad de naranja, que lo vuelve más cálido, haciendo que parezca más en primer plano.
Lo mismo cabe decir para el azul violeta de la izquierda y el rojo violeta de la derecha. En la escala cromática, estos dos colores no son muy distantes, pero el de la izquierda es más frío y da una sensación de profundidad. La parte oscura debajo del amarillo crea además el efecto óptico del ángulo, mientras que el rojo violeta de la derecha destaca en primer plano.
Pasemos a analizar la bañera. El borde está realizado haciendo sucederse tres colores, el azul a la izquierda, el blanco al centro, el amarillo a la derecha. Todos los demás colores son aclarados con la ayuda del blanco, y es eliminada una buena cantidad de los pequeños trazos rojos.
El efecto de contraste es dado por la pincelada horizontal blanca sobre el fondo amarillo y por el pequeño secamanos blanco de la izquierda, cuya misión es marcar también los límites entre el azul y el gris bistre del fondo.
El interior de la bañera y la figura inmersa en el agua son conseguidos con variaciones de los colores del fondo. El color del agua tiene como tono de base el bistre. Los trazos azul-violáceos proporcionan también el efecto de jaspeado del agua, mientras el fondo color carne es obtenido del ocre amarillo, un poco de rojo bermellón y blanco. Los pequeños trazos rosas, azules y amarillentos, además de darle volumen al cuerpo, proporcionan también el efecto de transparencia del agua. De hecho, justo por encima del pecho, el color de la carne menos frío es más ocre.
El blanco azulado del agua que cubre el pecho derecho se refleja sobre el rostro. Detrás de la cabeza se aprecia un blanco de una tonalidad un poco más grisácea que el color central. Justo después viene un amarillo grisáceo, más una larega franja de blanco casi puro. Este mismo blanco aparece en el triángulo formado por la alfombrilla en la parte inferior del embaldosado del suelo.
El suelo está realizado con azul de cobalto mezclado con un poco de blanco. sobre fondo bistre.
En la parte derecha del embaldosado se ve el reflejo amarillo de la ventana que pasa por debajo de la bañera de modelo antiguo, montada sobre cuatro patas. Fuente: Manual práctico de la pintura al óleo. Ettore Maiotti. EDUNSA 1989




http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Bonnard   Clica en esta dirección si deseas leer la biografía del pintor.

dimarts, 8 de juny de 2010

JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (23-04-75 Londres) Romanticismo.

GLACIAR Y MANANTIAL DEL ARVERON.
Después de Gales y Escocia, en 1802, le llegó el turno a Suiza, donde Turner va observando y anotando todo lo que el espectáculo de la naturaleza le presenta. Durante esta larga excursión por las montañas, el artista dio libre albedrío a su personalidad, explorando escenarios en los que pocos artistas ingleses habían tenido el atrevimiento de aventurarse, recogiendo una gran cantidad de material y desarrollando los progresos técnicos que, en la década siguiente, transformarían su pintura paisajística.
Después del viaje a Suiza, Turner realizó una serie de acuarelas, algunas de ellas de grandes dimensiones, en las que expresó su sentido de la grandiosidad y de la desolación del paisaje montano. Un detalle curioso es que estas obras presentan poquísimas, y a veces ninguna, figuras humanas. La acuarela del Glaciar y manantial de Arveron, más allá del encanto que suscita el paisaje alpino, impresiona sobre todo por la técnica, que Turner lleva a un altísimo nivel de refinamiento.
Fuente: Entender la Pintura . Ediciones Orbis S.A. 1989







EL INCENDIO DE LA CAMARA DE LOS LORES Y LOS COMUNES.

El incendio del Parlamento de Londres tuvo lugar la noche del 16 de octubre de 1834 y destruyó casi por completo el edificio. El acontecimiento fue para la gran muchedumbre reunida un auténtico espectáculo (hasta el punto de suscitar un aplauso final en el momento en que se derrumbó el techo), y este aspecto escenográfico fue captado con todo su teatral dramatismo en la pintura de Turner. También el pintor asistió al incendio y rellenó decenas de hojas de apuntes, como si quisiera aprovechar la ocasión para estudiar del natural una de aquellas escenas de destrucción y de ruina que tantas veces había imaginado. Los bocetos a lápiz y a acuarela le sirven para preparar y llevar a cabo el gran cuadro del incendio: por razones compositivas, las llamas se dirigen hacia el río (aunque en la realidad se dirigían a la abadía de Westminster, que resultó ilesa gracias al repentino cambio del viento) y se reflejan en el espejo del Támesis. La pintura está dividida en dos zonas mediante la línea del horizonte, realzada a la izquierda por las arcadas del puente y a la derecha por la imagen fantástica de la silueta de la abadía, mientras que en la esquina inferior derecha avanzan las masas oscuras de las embarcaciones. Pero ¿cómo consigue Turner dar a la gran llamarada amarilla, anaranjada y roja ese especial carácter de furor y cercanía? Rehace prácticamente la escena, reinventa las tonalidades del incendio, crea el volumen de las llamas con la materia del color en un ambiente irreal que sin embargo consigue hacer del drama el momento sublime de un hecho excepcional. Y una vez más el hombre aparece como un impotente espectador de las fuerzas de la naturaleza, capaces de convulsionarlo. Fuente: Entender la pintura. Ediciones Orbis 1989   Cuadros: La Ciudad de la Pintura.

Cuadro del encabezamiento del blog: Transportistas de carbón en gabarras descargando de noche al claro de la luna

dimecres, 2 de juny de 2010

EN SOLIDARIDAD CON LAS VÍCTIMAS DEL TERRORISMO ISRAELÍ. (31-Mayo-2010)














El Ejército israelí ha interceptado esta madrugada  (31-Mayo-2010)  la flotilla de seis barcos con más de 750 personas a bordo, entre ellos al menos tres españoles, que transportaba ayuda humanitaria para Gaza. En el ataque han muerto al menos 10 activistas y otros 30 han resultado heridos, algunos medios sin embargo elevan la cifra a 16 y hablan de más de 60 heridos

¿Por qué a Israel se le permite Crímenes contra la
Humanidad?
Armas de verdadera destrucción masiva
Efectivamente: los seis barcos que formaban la llamada Flotilla de la Libertad, atacados ayer salvajemente por la Armada israelí en aguas internacionales, iban cargados de armas de destrucción masiva.

Llevaban libros de relatos escritos por niños sobre las penurias de los refugiados, plantas potabilizadoras, medicinas, materiales de construcción… En total, 10.000 toneladas de ayuda humanitaria en manos de 750 individuos peligrosos de 60 nacionalidades distintas. Cooperantes, pacifistas, parlamentarios, médicos, periodistas… incluso una premio Nobel de la Paz. Y el escritor Henning Mankell, altamente sospechoso como autor de la serie de novela negra protagonizada por el detective Wallander.

Los militares israelíes dicen que encontraron en los barcos “cuchillos y palos”, pero las armas sin duda más destructivas de esa Flotilla de la Libertad eran los argumentos, la solidaridad, la palabra. Había que desactivar esos arsenales flotantes sin que pudieran tomar tierra palestina, porque el terror de la razón se propaga a mayor velocidad que los misiles.

Israel lleva décadas burlándose de la comunidad internacional en nombre de su propia seguridad. En la madrugada de ayer sumó al menos nueve asesinatos a su larga lista de crímenes contra la humanidad.

Jesús Maraña. Director de Público.
(Fuente: Blog de Sociales y algunas cosas más de Ppe Oliver.)